El pájaro burlón’s WEIRD MOVIES TOP 40 PARTE III: METAL MACHINE WEIRD (4ª parte)

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El ranking de las películas raras, malditas, olvidadas o exóticas

Ante tanta rareza solo queda esperar a que a uno le exploten las córneas. ¿Alguna vez ha fantaseado que mediante sus sueños puede alterar la realidad? LO TENEMOS. ¿Una fantasía erótica letona que parece la versión real del Rochelle, Rochelle que hacía babear a Jerry Seinfeld y George Costanza? LO TENEMOS. ¿El Gran Gatsby rapero? LO TENEMOS… y mucho más, hasta culminar con películas amateur de artes marciales que parecen surgidas de los sueños (precarios, pero raros como ellos solos) de un amante de los dojo y con la propuesta más alucinada, onírica, extraña y brutal de la historia del cine español.

Una vez más, gracias a todos por leernos. ¿Que si haremos cuarta entrega? Depende de si nos permiten acceder a internet EN EL SANATORIO…

10- LA RUEDA CELESTE (Lathe of Heaven, 1980) Estados Unidos

D: Fred Barzyk, David Loxton  I:  Kevin Conway, Bruce Davison, Margaret Avery

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George Orr tiene un don excepcional: a través de sus sueños puede alterar la realidad. Si por ejemplo, sueña que la Tierra es invadida por una raza extraterrestre, voilà, al despertar se habrá convertido en realidad y el pasado re-adaptado como si de un cómic Marvel se tratara. Pero Orr (Bruce Davison, especializado en su juventud en papeles de jóvenes dotados de singulares poderes, recuerden Willard) empieza a ser tratado por el Dr. William Haber (soberbio Conway), que casi por casualidad descubre que el muchacho dice la verdad… y empezará a hipnotizarle y a usar su poder para su propio beneficio, que irá en aumento en ambición y megalomanía. Lathe of Heaven es uno de esos pequeños momentos históricos de las TV Movies americanas (cuanto nos gusta en esta página señalar estas cosas) al ser el primero en ser producido por la cadena pública PBS y convirtiéndose en una de sus producciones de mayor éxito hasta que perdieron los derechos de emisión en 1988. Es un telefilme muy barato y austero, pero que parece tener la vista puesta en el modelo británico de realizar grandes historias a bajo coste, y la verdad es que los resultados fueron estupendos, recibiendo alabanzas de la escritora de la novela en la que se basa, Ursula K. Leguin (no así con la siguiente versión que produciría A&E en 2002 con Lukas Haas y James Caan, que se comió más palos que otra cosa), y varias nominaciones a premios. Se convirtió en una preciada pieza entre los coleccionistas de VHS bootleg durante los 90 hasta que en el 2000 por fin fue reeditada en VHS y DVD. Por desgracia, el plan de Barzyk y Loxton de ir realizando TV Movies para la tv pública basándose en novelas de ciencia ficción cada cierto tiempo tan solo tuvo una muestra más, Overdrawn at  the Memory Bank, basada en un relato de John Varley. Tal vez para nuestra próxima lista de weird movies… JJV

9- EL PRECIO DE LA AMBICIÓN (G, 2002) Estados Unidos

D: Christopher Scott Cheron  I: Richard T. Jones, Chenoa Maxwell, André Royo, Blair Underwood

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“Y así vamos adelante, botes que reman contra la corriente, incesantemente arrastrados hacia el pasado”. Ah, El gran Gastsby, vaya novela, como remueve, ¿verdad? Y que mala suerte ha tenido en la gran pantalla, le diera vida Alan Ladd, Robert Redford o Leonardo DiCaprio al old sport Jay nunca han sido capaces de transmitir el mundo de emociones contenidas en la novela de Fitzgerald. Un momento… ¿Pero esto qué es? ¿Una versión independiente que sitúa a los personajes en el mundo del rap y de la “invasión” de los Hamptons? La historia se reinterpreta y vuelve a empezar cuando el sosías de Nick Carraway, Tre (André Royo, el inolvidable Bubbles de The Wire) llega al rico barrio a vivir una temporada con su prima Skye (Chenoa Maxwell) mientras entrevista a las estrellas del hip hop de la zona, y se empeña en dar con el misterioso y esquivo Summer G (Richard T. Jones), productor de enorme éxito empeñado en recuperar el amor perdido de su juventud. Ciertamente es sutil como un cañonazo en la tripa y los sentimientos soterrados en la obra original aquí se convierten por momentos en completos ataques de histrionismo, además de tomarse ciertas libertades con la historia (el giro final “sorpresa”, pues oiga, no es lo mismo, que quieren que les diga). Eso sí, no tiene la moralina barata de la versión de Elliott Nugent de 1949, no es tan tediosa como la de Jack Clayton del 74, ni es tan estridente ni irritante como la de Baz Luhrman de hace tres años. Pero sigue siendo mejor recurrir al telefilme del 2000 de Robert Markowitz, carente de ínfulas, ataques de presunta originalidad ni pretensiones de hacer una obra a la altura de la gran novela americana. JJV

8- HEALTH WARNING (Da lui toi, 1983) Hong Kong

D: Kirk Wong I: Eddy Ko, Johnny Wang Lung Wei, Ray Lui

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Killer, un estudiante de una escuela de artes marciales del futuro se embarca en una venganza después que su amigo sea machacado por un grupo de skinheads untados en aceite y con pinta sadomasoquista. Con la ayuda de dos chicas que viajan en un coche futurista lleno de lucecitas y tubos, Killer se inyecta una super droga y va a la caza de los skins. Kirk Wong ha dirigido pocas películas y suele ser considerado como un artesano visual en el fandom del cine de Hong Kong. Su segunda película es oscurísima en muchos sentidos; primero, es casi imposible encontrar una copia que no sea el terrible transfer granuloso de la distribuidora Tai Seng (donde es rebautizada como Flash Future Kung Fu) que es el que he visionado, y segundo, aunque fue nominada a algunos galardones en los premios de cine de la ex colonia en 1983, el aficionado casual la desconoce totalmente. Probablemente tenga mejor pinta si algún día aparece una copia medianamente limpia, pero no se puede negar el extraño encanto que tiene esta especie de Blade Runner de baratillo lleno de cañones de humo, pantallas de televisor, máscaras de S&M y versiones de sintetizador de Velvet Underground mezcladas con una película de kung fu al uso. Y además se trata de una de las pocas veces que se ha podido ver al eterno villano secundario Johnny Wang Lung Wei haciendo de protagonista. VCR

7- JONATHAN, LOS VAMPIROS NUNCA MUEREN (Jonathan, 1970) Alemania

D: Hans W. Geissendörfer I: Jürgen Jung, Paul Albert Krumm, Eleonore Schminke

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Película de cierta repercusión en las salas de arte y ensayo a principios de los 70, y que fue mostrada en una de las primeras ediciones del Festival de Sitges, Jonathan era una poco sutil parábola del nazismo en forma de cine de vampiros. Una pequeña aldea centro-europea es dominada por chupasangres, que usando a la burguesía para sus fines tiene dominados a los campesinos. Pero estos se rebelarán e intentarán un plan de contraataque usando al joven Jonathan, que tendrá que infiltrarse en el castillo del Conde, liberar a los presos y entre todos librar una batalla definitiva. El viaje del joven estará, por otro lado, repleto de desgracias. La película de Geissendörfer no ha envejecido demasiado bien y su estilo narrativo hoy hace gala de una pedantería sideral –véase las niñas que envuelven a las víctimas de torturas efectuando unos bastante mal sincronizados pases de ballet, o las largas disertaciones políticas de los vampiros- , amén de hacer uso de un maltrato animal en un par de escenas de bastante mal gusto aún teniendo en cuenta el contexto de su época. Pero a pesar de sus pretensiones hay ciertos momentos en los que la película tiene cierta belleza estética e interés, como en la llegada de Jonathan al castillo –un versión muy  sui generis de la novela de Stoker, totalmente carente de sentido argumental, no se lo busquen- o en el desenlace en la playa. No es un plato para todos los gustos, desde luego, pero muy representativa de un tipo de cine enterrado prácticamente en el olvido a día de hoy. JJV

6- SWEET MOVIE (1974) Francia/Canadá/Alemania Occidental

D: Dusan Makavejev I: Carole Laure, Piérre Clementi, Anna Prucnal

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Desde su estreno en 1974 hasta la edición de la Criterion Collection de 2007, esta película era casi imposible de encontrar. Anna Prucnal fue literalmente exiliada de su Polonia natal por su interpretación. Carole Laure desertó del rodaje y  llevó a sus realizadores a los tribunales ya que consideraba algunas de sus escenas degradantes y pornográficas. En una lista como ésta, sabíamos que Sweet Movie al final acabaría apareciendo ya que es rara de narices y su condición de maldita es de sobra conocida. Y digo yo, es tan fiero el lobo como lo pintan? Esta es la historia de dos mujeres, la canadiense Miss Mundo 1984 (Carole Laure) entregada como trofeo virginal al magnate del petróleo Mr. Dollars (John Vernon) y de la capitana Anna Planeta (Prucnal), una revolucionaria comunista fracasada que viaja en un barco lleno de azúcar y caramelos corrompiendo a menores -en unas escenas que bordean el acabar en el calabozo- y asesinando a sus amantes. La película va segmentando su narración de las dos historias con canciones populares y metraje antiguo que incluye desde gimnasia para bebés hasta terribles filmaciones de los restos de las víctimas de la masacre de Katyn de 1940. En el viaje de las dos mujeres veremos viñetas que tratan sobre la política, la represión sexual tanto capitalista como comunista y montones de movidas psicológicas sacadas de las teorías de William Reich que al final se resumen en los miembros de la comuna/secta del polémico Otto Muehl meando, cagando y vomitándose unos encima de otros. Y con muchas chicas guapas en pelotas, que somos radicales de izquierdas  pero no tontos. Cuando uno ve esta película con cierto bagaje sobre su época y sus protagonistas no puede evitar pensar que pese a todo su discurso, “malditismo” y radicalismo exagerado la cosa no iba de nada más y nada menos que de epatar. Así que no, al final no es para tanto. VCR.

5- MAGNETISMO MORTAL (Encounter at Raven’s Gate, 1988) Australia

D: Rolf De Heer  I: Steven Vidler, Celine O’Leary, Ritchie Singer, Vincent Gil

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Sí ya de por si el cine considerado ozplotation (esto es, el cine de explotación proveniente de Australia) incluye en su colección un buen puñado de películas que podrían ser consideradas weird en un suspiro ya solo por la sola idiosincrasia de su país de origen, Magnetismo mortal es considerada un perro verde fosforito incluso en la tierra de los boomerangs. En un remoto paraje australiano cae una fuerza extraterrestre sin forma corpórea, siendo simple energía. Eddie Cleary, un exconvicto con problemas tanto con la autoridad como con los (pocos) habitantes de la población local, es ayudado por su hermano a rehabilitarse mientras éste permanece obsesionado con la idea de encontrar agua en pleno desierto. Su mujer comenzará a interesarse por Eddie, mientras que la fuerza eléctrica empieza a campar por la zona y a causar el terror. Rolf De Heer cuidó el aspecto visual y sonoro de su película con esmero, como queriendo aunar el estilo “prestigioso” del cine aussie que catapultó a la fama Peter Weir con la serie B más rabiosa, y mientras posee ideas formidables –como presentar un extraterrestre bioquímicamente alejado a lo que siempre se supone que debería ser- forman un curioso mix con otras más delirantes, como la subtrama del policía un tanto psycho enamorado de la camarera amante de Eddie, que mucho que ver con la historia principal no tiene, no… aunque ahora que lo pienso Sean Byrne hacía algo parecido con su célebre Loved Ones. ¿Perros verdes, dije? Tal vez canguros azules sea más apropiado. JJV

4- ZIRNEKLIS (1991) Letonia/Unióm Soviética

D: Valisi Mass I: Romualds Ancans, Aurelija Anuzhite, Saulius Balandis

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Zirneklis es una película hecha en un momento de transición política -se empezó a rodar cuando Letonia aún formaba parte de la URSS y se estrenó tras la independencia de ésta- que acaba reflejándose en la transición personal de su protagonista, la hermosa Vita (Aurelija Anuzhite). Hija de una familia católica conservadora, Vita accede a posar para un sombrío pintor como representación de la Virgen María y con ello inicia un viaje hacia el despertar de su sexualidad lleno de alucinaciones pictóricas y acentuado por las visitas sexuales oníricas (¿o no?) del citado pintor, convertido en una gigantesca araña con ganas de marcha. Cuando estas aumentan en intensidad, un cura amigo de la familia de Vita sugiere que la chica se vaya a ver a unos parientes al campo, pero la influencia de la araña no tardará en hacerse notar, y es que el primo de Vita la mira con ojos golosos y a esta parecen gustarle cada vez más las visitas de la araña y las reacciones lujuriosas que produce en todo el personal masculino. Zirneklis tiene un acabado extraño y confuso, entre la fantasía pictórica de El Bosco, Sigmund Freud a tope (de hecho, la película se abre con una cita de éste) y los monstruos violadores de La galaxia del terror. Muchas veces no hay por dónde cogerla, pero se puede seguir con un mínimo de coherencia pese a que las únicas copias que parecen existir de ella sean grabaciones de la televisión que desmerecen bastante su fotografía y diseño de producción, ya que aún necesita de una edición en condiciones. Y si os perdéis entre todo este caos psicosexual, conformaos con que la actriz protagonista esté más rica que un queso artesano de Riga. VCR.

3- APARELHO VOADOR A BAIXA ALTITUDE (2001) Portugal

D: Solveig Nordlund  I: Margarida Marinho, Miguel Guilherme, Rui Morrison

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Si jugamos a la asociación de palabras y géneros cinematográficos por países, difícilmente si yo digo “Portugal” usted responderá “ciencia ficción”. Pero muy de tanto en cuando el país vecino se sale por la tangente con producciones tan estimulantes como esta adaptación del Aparato de vuelo rasante de J.G. Ballard. En el futuro, la humanidad tal y como conocemos parece condenada, ya que los embarazos dan nacimiento a unos bebés monstruosos, zots, de los cuales los pocos que sobreviven al infanticidio se ocultan del resto de los humanos, quién sabe si esperando su extinción definitiva. Una pareja, Judite (estupenda Marinho) y André, viajan hasta un semi-abandonado centro turístico para dar con el célebre Dr. Gould, con el fin de determinar si esperan un bebé mutante o si los datos previos, esperanzadores, que han recibido, les dejará con una oportunidad única de criar a un bebé normal tras siete desilusiones anteriores. Pero el universo que plantea Nordlund (una especialista en la obra de Ballard) termina planteando la cuestión sobre si realmente es importante que el hijo salga bien o si no sería preferible a la larga que naciera mutante, viendo que nuestra raza está en una completa decadencia (solo basta con ver la patulea de personajes que habitan el completo residencial) y ellos son, quieran o no, los herederos legítimos del mundo. Todo en un entorno un tanto onírico, con cuidadas localizaciones, una arquitectura cuidadosamente escogida y un reparto completamente entregado a la visión de su directora. JJV

2- FURIOUS (1984) Estados Unidos

D: Tim Everitt, Tom Sartori I: Phillip Rhee, Simon Rhee, Arlene Montano

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Hay películas en las que las energías invertidas y el ímpetu juvenil de sus creadores acaban por dar unos resultados imperfectos pero entrañables. Y luego está Furious, una de esa selecta minoría de películas cuya realización amateur las convierte en el equivalente de estar visionando un sueño de hora y media, sin que eso pareciera ser el objetivo de sus creadores. ¿Cómo si no nos explicamos las aventuras del maestro de artes marciales Simon (Simon Rhee)? Después de que su hermana Kim sea asesinada por unos luchadores con pinta de cabreros mientras busca un amuleto (o algo así, nunca queda claro), Simon contacta con su maestro Chan (Phillip Rhee) y éste lo envía en una búsqueda espiritual para alejarlo del verdadero villano de la función, él mismo. A partir de ahí tenemos peleas entre Simon y un montón de gente, desde chefs a un ilusionista que convierte a la gente en pollos y lanza bolas de fuego, sus propios amigos (que acaban siendo cocinados por dicho chef) y un grupo de postpunk que hacen de soldados de su maestro (muy parecidos a Devo y en el que militaba uno de los directores, Tim Everitt), todo con un fondo instrumental de música clásica rusa (obviamente disponible por temas de copyright) y un montaje onírico involuntario que hace que en ningún momento sepamos que leches va a pasar. Ah, y sin casi diálogos. ¿Para que los necesitamos si los hermanos Rhee son capaces de dar esas patadas? De hecho, unos años después alcanzarían bastante fama en el mundillo del cine de hostias gracias a la divertida Campeón de campeones (1989). Pero dudo que jamás pudieran olvidar el haber participado en una película en la que el diálogo más largo es pronunciado por un cerdo moribundo hablando de comida rápida en otros planetas y el plano astral. Y hasta 2015 no ha estado disponible en DVD, siendo uno de esos clásicos involuntarios del circuito de coleccionistas underground de VHS. Muy, muy weird. VCR.

1- CADA VER ES… (1981) España

D: Ángel García Del Val  I: Juan Manuel Espada

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A veces leemos el término inclasificable para definir películas que, en nuestro fuero interno, podríamos catalogar perfectamente. Luego hay otras que han nacido para llevar ese término integrado en su ADN hasta el fin de los tiempos. Cada ver es…, asombroso documental sobre la persona y el trabajo del forense Juan Manuel Espada del Corso, es rara, maldita, exótica, olvidada, hermosa a ratos, insoportable otras veces, una maravilla unos momentos y un espanto otros.  La obra comienza en el hospital psiquiátrico de Bétera, etérea y desasosegante bienvenida al espectador acompañada de música de Ravel, hasta conducirnos a la persona de Espada, superviviente de la batalla del Ebro, aquejado de una miopía cercana a la ceguera, y su relación con los cadáveres con los que trabaja y a los que personaliza como si fueran poseedores de conciencia. Y aquí llega la parte más delicada de la obra y la que obliga a uno a poner sobre aviso a cualquier espectador que tenga intención de verla: en clases de medicina forense a las que acudí durante mis estudios la gente se marchaba cuando pasaban imágenes y vídeos que eran mucho menos que lo que se muestra en la obra de García Del Val: Los diferentes tipos de cuerpos con las que trabaja –de todos los tipos, edades, cada uno con diferentes causas de muerte-, como los guarda, abre o retuerce, todo ello sin cortarse un pelo. Pero también es la muestra de la vida del trabajo de un hombre, ni más ni menos, que se mueve con la naturalidad y la tranquilidad que otorgan 40 años de experiencia aunque sea a la hora de trabajar con el cuerpo de un bebé –una de las escenas más difíciles de ver, y que pondrá a prueba la capacidad de filtro que tiene una cámara ante el espectador-. La película se enfrentó a problemas con le censura, pero no debido (al menos no de puertas afuera) a su contenido, sino por estar rodada en 16mm y no “tener la suficiente calidad” para ser proyectada en las pantallas del país según la ley Miró que había por entonces. “¡Qué país este!”, como decía el Dr. Riviera en Los Simpson… La película se estrenó dos años después de finalizar su rodaje, clasificada “S”, y desde entonces se ha convertido en una de las más radicales muestras de cine maldito jamás filmadas. JJV

  • JJV: Javier J. Valencia
  • VCR: Victor Castillo 
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