Crónica del Festival de Sitges 2017 (7) – Miércoles 11 de Octubre

Séptima entrega de las crónicas del Festival de Sitges 2017 de la mano de nuestros redactores Oscar Sueiro y Javier J. Valencia. Entre las reseñas de hoy se incluyen “Brimstone”, la adaptación de la célebre cómic “My Friend Dahmer”, la comedia “Matar a Dios”, “The Wall” de Doug Liman , lo nuevo del director de culto Bill Morrison o lo último del tándem Hélène Cattet/ Bruno Forzani.

BRIMSTONE (Martin Koolhoven)

Antes de nada voy a reconocerle las bondades, porque lo cierto es que es un film solemne, brutal y bello –aunque sea la crueldad lo que retrate con belleza-. Un viaje épico de la mano del atormentado pero fortísimo personaje de Dakota Fanning, dividido en cuatro actos, todos teñidos de sangre.

El encargado de encarnar el mal es el reverendo interpretado por Guy Pierce, que lo da todo, pone cuerpo y alma y es de apreciar, aunque debo decir que está tan al límite de la credibilidad, que me sacaba de la película. De tan retorcido y grotesco, y sobre todo, tan discursivo, se hacía pesado. Esta es la mayor pega que puedo sacarle aun respetando el trabajo de Pierce. Por lo demás, está tan bien ejecutada que ya dependerá de si os interesa más o menos el relato y si podéis con su largo metraje y su peso. Se nota mucho que el director tenía imágenes clarísimas en su cabeza y las quería plasmar, sin importar la verosimilitud de lo que nos llevase a ellas, y eso también nos saca un poco de la ficción. La poética no debe estar reñida con un guion riguroso si tus reglas del juego marcan enseguida un tono realista. (OS)

MARLINA, THE MURDER IN FOUR ACTS (Mouly Surya)

De nuevo, como en Brimstone, una viaje iniciático de una mujer dividido en cuatro actos. Imagino que nos las programaron seguidas por casualidad. Aunque el marco es una isla de indonesia dónde puebla la pobreza, y la protagonista se vea envuelta en asesinatos y violaciones, hay algo en toda esa sordidez retratado con un aura positiva. Y seguramente sea porque aquí, más que en Brimstone, sí veo un empoderamiento de la mujer, algo que la directora quiere destacar y celebrar. El hecho de que dos mujeres se ayuden y se revelen contra el maltrato, el ninguneo y la crueldad masculina, tan acomodada en todo el mundo pero sobre todo en lugares con menos recursos.

Por eso, a pesar de todo, incluso de los envenenamientos, violaciones y decapitaciones, la directora propone un escenario luminoso y de superación. (OS)

DAWSON CITY: FROZEN TIME (Bill Morrison)

A título personal, y aunque no tenga nada que ver con el cine fantástico (que es, a la hora de la verdad, el principal motivo por el cual acudo a este Festival religiosamente cada año), el descubrimiento de la temporada ha sido el cine de Bill Morrison. Dawson City es un documental construido a base de películas de la época del cine mudo que fueron recuperadas en la ciudad que da título al film en la década de los 70 y fotografías antiguas. A partir de ahí, Morrison efectúa una construcción que va mezclando los eventos sucedidos la zona -los cines de Dawson, los motivos por los cuales un buen puñado de latas de película de nitrato acabaron escondidas bajo una pista de patinaje durante casi medio siglo, la locura del oro del Klondike- con otros correspondientes a la historia de EEUU y Canadá en función del material encontrado. El resultado es una narración cronológica que ayer era imposible y hoy resulta tremendamente impactante, muy emocionante: solo el cine es capaz de igualar la emotividad de la muerte con la que provoca la resurrección, y en Dawson City: Frozen Time cobran vida imágenes que se creían muertas hace mucho tiempo. Una maravilla. (JJV)

MY FRIEND DAHMER (Marc Meyers)

Film que retrata lo que pudo ser parte de la adolescencia de Jeffrey Dahmer, el –desgraciadamente- famoso Carnicero de Milwaukee, sanguinario asesino en serie que mató a diecisiete personas, de las que se comió a ocho. Sus andaduras son atroces, a niveles que superan la ficción, pero en la película que nos ocupa, se detienen justo antes de que empezara toda aquella matanza. Resulta en todo momento interesante conocer al personaje e intentar entender qué hecho o hechos tan graves lo convirtieron en un monstruo. Pero lo cierto, es que como casi siempre, no hay motivos que lo justifiquen, ni si quiera que hagan que lo entendamos, aunque el director sí consigue que le tengamos cierto aprecio y lamentemos su contexto –nunca tan hostil como para terminar así-.

Violencia contenida que no llega a estallar, afortunadamente para los espectadores más sensibles. Retrato de la gestación de un asesino. (OS)

BLACULA (William Crain, 1972)

Un dignatario africano visita el castillo del Conde Dracula en el siglo XVIII. El primero desafía al legendario empalador mostrándose contrario a la esclavitud y como venganza le muerde y le convierte en un vampiro, obligándole a permanecer encerrado en el castillo sin poder salir. Dos siglos después una pareja de anticuarios compran todos los objetos del castillo y el príncipe Mamuwalde vuelve a caminar entre los vivos en Los Angeles, donde se reencuentra con la que cree que fue la doble de su amada. Pequeño clásico de la blaxplotatition, más por su concepto que por su ejecución, bastante rutinaria, y en la que destaca la secuencia de títulos de crédito animada y la banda sonora de la Hues Corporation y Gene Pagey. La alegoría sobre la esclavitud resulta un tanto torpe a veces y no ha envejecido excesivamente bien, pero se puede ver con agrado como un ejemplar producto de su tiempo y del método de trabajo de la AIP. La copia que pasaron en el Casino Prado parecía que había pasado también ante los afilados colmillos de un vampiro antes de ser proyectada, dada su escasa calidad. (JJV)

LAISSEZ BRONZER LES CADAVRES (Hélène Cattet, Bruno Forzani)

Parece que esta pareja de jóvenes directores se consolidan en su propio estilo; una mezcla de giallo y fanta-terror retro y experimental. Obsesión por los planos detalle y los primerísimos primeros planos, ya pensados para ese montaje sincopado magnificado por el diseño de sonido.

La fórmula es la misma que con Amer (2009) y con L’étrange couleur des larmes de ton corps(2013), pero ahora más cercano al cine negro y al spaghetti western. Aunque su estilo es abrumador, también va perdiendo efecto en el espectador y puede ser algo cargante, pero van soltando perlas visuales que vuelven a atraparlo.

Trama y personajes, bien, pero el envoltorio es tan potente, que trasciende por encima de cualquier otro aspecto del film. No sé si es del todo bueno esto, pero sea como sea, ya se han hecho un hueco en el panorama fantástico. (OS)

HOSTILE (Mathieu Turi)

Llamados por el reclamo de que Turi ha sido ayudante de dirección de Tarantino, Eastwood y Allen, fuimos con cierta ilusión, pero lo cierto es que no estuvo a la altura de las expectativas. Hostile propone un relato post-apocalíptico fragmentado por flashbacks que narran la historia de amor de la protagonista, atrapada en su camioneta después de un accidente y asediada por una criatura horrible –nuestro apreciado Javier Botet- víctima de una guerra química.

Lo que realmente se atraganta es esa historia de amor del hombre rico y la yonqui en apuros, que no cuaja porque no aporta elementos suficientes como para que nos la creamos. La parte de terror, está bien ejecutada aunque mil veces vista, pero llega un final en el que confluyen ambas y ahí sí que hay que hacer un acto de fe muy grande. Hubo risas entre el público, pero también os digo que si queréis creer, if you want to believe, es muy bonita.  (OS)

THE WALL (Doug Liman)

De entrada una de aquellas películas que me despertaba cero interés pero a la que acabé acudiendo ante la falta de entradas de lo que consideraba mejores opciones y a la larga una de aquellas casualidades felices que suele regalarnos el Festival. Una vez finalizada la guerra de Irak dos soldados americanos (Aaron Taylor-Johnson y John Cena) acuden a una llamada de socorro en una estación en construcción y solo encuentran cadáveres en el desierto. Pero pronto empezarán a verse bajo el punto de mira de un implacable francotirador, una leyenda entre los hadji. De aquellas cintas que hace de los pocos espacios y de la escasez de metros una virtud sin recurrir a argucias argumentales para dilatar la duración, con un guión muy bien pensado, mecánicamente elaborado y que esconde una dura crítica soterrada al ejército de EEUU, no solo cuestionando lo que desde el punto de vista iraquí es una invasión en toda regla, sino la propia preparación de los soldados: la cultura y la imaginación son los dos elementos con los que juega el fantasma y lo que le convierte en el cazador, inviertiéndo los papeles -ahora el soldado es quién reacciona, y tendrá que exprimir al máximo su cabeza si quiere salir de la situación-. Mucho más destacable de lo que parecía a primera vista. (JJV)

MATAR A DIOS  (Albert Pintó y Caye Casas)

De los directores del genial cortometraje NADA S.A., nos llega esta comedia negra de título atrevido. Me alegra mucho decir que funciona estupendamente, es decir, te ríes mucho. Los diálogos son divertidos y ágiles, el guion perfectamente cerrado y el casting, su mayor acierto. El mismo libreto podría estropearse tanto con un casting más conocido, más “guapo”… Estos personajes necesitaban ese aire perdedor –con todo el cariño-, y los actores lo clavan. La dirección de arte y el vestuario van al unísono para dotar la forma -perfectamente fotografiada- de coherencia.Y la banda sonora, una apuesta fuerte, desconcertante pero muy adecuada.

Por poner pegas, decir que como siempre suele pasar en este tipo de comedias, el arranque es brutal porque presenta a los personajes con mucha gracia, pero cuando tiene que dejar paso a la trama y debe cerrar todos los arcos de los personajes, ya no queda tanto tiempo para guasa y pierde algo de fuelle. Pero aun con esas, aguanta el tipo maravillosamente, te sigue dando motivos para reír y te cuenta una historia.

Una de esas películas ejemplares de cómo hacer mucho con poco, pero sobre todo, lo que tiene que ser, la risa.  (OS)

Oscar Sueiro / Javier J. Valencia

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